更新：HD
导演：李炳宪
主演：朴叙俊,李知恩
类型：电影地区：韩国语言：韩语年份：2020
简介：朴叙俊将主演李炳宪([极限职业])执导的新片[梦想](드림，暂译)。故事讲述受到处罚的足球运动员尹弘大临危受命，担任国家队的教练，带领他们迎接世界杯的挑战。该片将于明年开拍。详细 >
如果不是最后一幕穿越戏就要打三星了：从头到尾的冰冷形成了一种奇观展现——那些经历历史的人永远不知道后世如何评论自己，所以他们看上去平静祥和，妻子不过是希望丈夫不调岗而已，其实他们对幸福生活的期待多么值得理解。用这样的叙事手法，最后不确立一下历史观做出总结是不行的。在奥斯维辛的时候，导游说每一寸土地都有犹太人的骨灰和碎片，而战后的审判上，纳粹军官的家人说他们不知道围墙后面发生着什么。历史上最残酷的事件往往都发生在阳光下，缓慢地，甚至是安静地。我去的时候，那里还是初春，当时我想这里如果开花会有人能够欣赏吗？Glazer给了我完整的答案。
绿地的那端飘出的滚滚浓烟，寂静的夜晚下难以辨认的机器声。残酷的历史不是独立存在的黑暗，它发生在明亮的天空之下。
没有刻意的批判或者丑化，就安安静静让你看一个正黄旗老纳粹的日常，反倒更加直击心灵
结尾真是映证了尼采在《善恶的彼岸》中的那句“当你在凝视深渊的时候，深渊也正在回望着你。”
以一种全然相反的路径进入了“大屠杀”——集中营纳粹军官一家日常的琐碎实质上提供了另一重“震撼”，它提醒我们那个被惯常营造成黑白地狱的奥斯维辛（《辛德勒的名单》），那个仅属于历史的黑白影像，其实也曾是过去的当下，它不止是黑暗的，血腥，相反，犹太人是死在那个依然要来的春天，花束仍旧鲜艳，歌舞造就升平。人性残酷不在于奥斯维辛是一个先在的炼狱，而是每个集中营是包围在“人间乐园”之中。格雷泽在此努力，不啻为博斯绘画中那一抹抹最艳丽的颜色。
#Cannes 76# 思辨、长镜头、冷静、极简扎根在欧陆民族的灵魂中，从《夜与雾》延续的新浪潮之风，反思从没有停下。镜头的民主性运用于对战争的审判，留出了空间思考「如何理解過去比历史本身更有价值」，我們無法參與過去，但我們可以參與歷史觀的構建。
在调度上与《索尔之子》完全是两极，但都关乎声学，关乎画外空间。本片贡献出屠犹题材的4.0层级，这来自格雷泽在视角上的大胆选取，为大屠杀提供了一个全新的切入角度。声音设计过于出色，来自集中营的声源仿若一个持续存在的“底噪声”。卢卡斯扎尔的摄影立下大功(这个时代最会拍固定镜头的DOP)，在摄取方法上带来了同题创作上的真正新意，锐度极强的数字摄影审查着每一寸缝隙，在高度严谨的构图之中创造出了一种“纳粹美学”的影像观，完美无缺的、洁净无瑕的、整齐划一的、极度精确的，充斥着威权主义的秩序感，横移镜头甚至如正步一般，但摄影机从未认同被摄对象，而是毫不动摇的保持着必要的伦理距离。所以越是趋于平静安宁，其背后越是残忍可怖，本片就是在呈现一场不见血的暴行。一次对视，一次穿越，那一刻观众的目光是如此重要。
【B】概念自然是极好的，但拍到这个程度就没意思了。真·MV电影，声音设计几乎是全部主体，场面调度上鲜有巧思，甚至出现了4次放空画面只听声音的段落。为了这点醋包的这盘饺子，专门给声音才配的画面段落，从立项开始就是纯MV创作思路吧。
冷酷强大精准的执行，知行合一。金棕榈我颁了。
格雷泽规避掉所有直观呈现奥斯维辛血腥屠戮的场面，借而以纳粹军官鲁道夫一家紧靠集中营的“世外桃源”为惊恐反证，动用冷涩的视听语言进行恫吓氛围的塑造。麦卡·利维的配乐为影片增添了凄厉的脚注。
原小说The Zone of Interest作者Martin Amis在首映当天去世
假如最后那段穿越的视角没有拉回楼梯口望向走廊尽头的纳粹军官，整个影片会平庸一个档次。
我觉得是今年几部奖项热门片中最值得的一部，完全是把电影当做艺术形式来拍。热成像效果居然这么好，估计后期也有处理。
#RFH #LFF 长评-满眼罪恶和那唯一的光。风格和表达统一性很高，用极致冷漠的视角侧面讲述了那段悲惨的历史。采用极简主义，只有固定镜头和侧跟推镜头，更夸张的是景别的选择…全片基本没有对人物的中近景镜头，正反打都是全景或者远景…只有一场中景的镜头是女主母亲在屋内看到远方的大火与浓烟，这可能也是全片中唯一突出角色情绪的表达，感觉导演就不想让我们把情感代入到这些纳粹身上，即使他们在幸福，家庭在和睦，我们就这么凝视着审判着。大远景分割世界，鱼眼镜头畸变批判，俯拍带有黑圈如同上帝审判般。仅有特写对准有生命力的植物和土地，用冰冷的负片镜头讲最有温度的故事。色彩上则是低饱和度呈现冷漠。夜晚的红色预示着血与火。极强节奏的轰鸣声频繁出现仿佛末日的倒计时。鸟语花香+枪鸣哀嚎似乎就与大远景呈现出同样的效果。
神奇的電影。Zone——區域，需要時間、空間定義，需要光、聲音為屏來投射，需要能夠在現實與鬼魅間張開。一個床是一個zone，人的身體是一個可以被嘔出的Zone，人類暴力史的那團噩夢陰影是Zone，在時空中延綿的中介質也是（或許這就是所謂cinema在尋找的東西）非常「建築」的一部電影，他在歷史等抽象的概念中創造空間，而人在空間里顯得極其「異常」，冷峻切換的固定機位剪切間構成有別於幽靈視角的無機/金屬視角（非常俐落的切換也體現出鏡頭對「區域」的遵從）拍法和概念厲害極了，劇本差口氣，穿越出戲。
若平庸之恶的着重点是缺乏深入思考的能力，那平庸的恶似乎根本不存在。就是恶，大恶！如片中所现，这些nazi并不是没有任何深入思考能力仅执行命令的木头人，日子像流水一般过去。枪声、烟味、没日没夜的叫喊声、血色弥漫、吃人的骨灰种出的菜、这些都是生活的一部分，如何抽离一切单纯诉说人脑是不在工作的，这只是思考不了的恶的平庸？影像的力量之一就是让人感受，再让人思考，这部片让我开始拒绝阿伦特的阐述。片中的母亲的离开不知是否有任何历史纪录，如果是，算是nazi一丁点良心的闪现，但估计多半是杜撰。整部片很压抑，最后的穿越并没那么突兀，见一眼现实很好。
还可以，但我对乔纳森格雷泽的期待要比现在的效果多得多得多。何时见过艳阳下的奥斯维辛，女人走在她的领地——花园中，她的丈夫则行走在自己的领地——集中营中。这巨大的荒诞感即是深不见底的悲剧性。没有阿伦雷乃的《夜与雾》那般直面尸骸的冲击性的残忍，它被重新翻译为一种由巨大、突兀、诡异的音效与底片影像组成的残酷的语言。“不在看”却处处都在见证。要怎样才能证明这般残忍的历史曾经存在过？博物馆里堆积成山的鞋子、衣服、家具，都是不在场的在场。我一次又一次想到克里斯提安·波坦斯基的装置艺术
3.5
楼上都要给他颁奖了，我就是真的很难评
非常聪明的设定 但这种剪影式的拍法更像是一个装置艺术 三十分钟过去记不住一个面孔 集中营作为潜文本与用意明显的音效贯穿全片 却不能使我相信（更别说在意）画面里任何一个人的处境——如果他们确实有困境 作者似乎生怕态度还不够冷峻 弃绝任何接近人性的机会 以维持与主题相当的风格 然而没有拍出人性不等同于就拍出了非人性 故事上没有深刻的进展 风格迅速失去魅力 只剩奋力端着 不断地重复同一个idea 孩子们在院子里不停玩耍并不是孩子想玩 只是因为这个电影需要孩子的玩耍充当烟囱的前景 然而电影不是照相术 精巧的瞬间确实能够唤醒观众耳目 却无法触及内心 如此有力的premise却沦为投机取巧的摆设 我想历史之所以深沉是因为不向未来献媚 可惜当代仍在孜孜不倦地借历史的便利追逐着空洞的奇观 这样的创作太偷懒了
返回首页 返回顶部
如果不是最后一幕穿越戏就要打三星了：从头到尾的冰冷形成了一种奇观展现——那些经历历史的人永远不知道后世如何评论自己，所以他们看上去平静祥和，妻子不过是希望丈夫不调岗而已，其实他们对幸福生活的期待多么值得理解。用这样的叙事手法，最后不确立一下历史观做出总结是不行的。在奥斯维辛的时候，导游说每一寸土地都有犹太人的骨灰和碎片，而战后的审判上，纳粹军官的家人说他们不知道围墙后面发生着什么。历史上最残酷的事件往往都发生在阳光下，缓慢地，甚至是安静地。我去的时候，那里还是初春，当时我想这里如果开花会有人能够欣赏吗？Glazer给了我完整的答案。
绿地的那端飘出的滚滚浓烟，寂静的夜晚下难以辨认的机器声。残酷的历史不是独立存在的黑暗，它发生在明亮的天空之下。
没有刻意的批判或者丑化，就安安静静让你看一个正黄旗老纳粹的日常，反倒更加直击心灵
结尾真是映证了尼采在《善恶的彼岸》中的那句“当你在凝视深渊的时候，深渊也正在回望着你。”
以一种全然相反的路径进入了“大屠杀”——集中营纳粹军官一家日常的琐碎实质上提供了另一重“震撼”，它提醒我们那个被惯常营造成黑白地狱的奥斯维辛（《辛德勒的名单》），那个仅属于历史的黑白影像，其实也曾是过去的当下，它不止是黑暗的，血腥，相反，犹太人是死在那个依然要来的春天，花束仍旧鲜艳，歌舞造就升平。人性残酷不在于奥斯维辛是一个先在的炼狱，而是每个集中营是包围在“人间乐园”之中。格雷泽在此努力，不啻为博斯绘画中那一抹抹最艳丽的颜色。
#Cannes 76# 思辨、长镜头、冷静、极简扎根在欧陆民族的灵魂中，从《夜与雾》延续的新浪潮之风，反思从没有停下。镜头的民主性运用于对战争的审判，留出了空间思考「如何理解過去比历史本身更有价值」，我們無法參與過去，但我們可以參與歷史觀的構建。
在调度上与《索尔之子》完全是两极，但都关乎声学，关乎画外空间。本片贡献出屠犹题材的4.0层级，这来自格雷泽在视角上的大胆选取，为大屠杀提供了一个全新的切入角度。声音设计过于出色，来自集中营的声源仿若一个持续存在的“底噪声”。卢卡斯扎尔的摄影立下大功(这个时代最会拍固定镜头的DOP)，在摄取方法上带来了同题创作上的真正新意，锐度极强的数字摄影审查着每一寸缝隙，在高度严谨的构图之中创造出了一种“纳粹美学”的影像观，完美无缺的、洁净无瑕的、整齐划一的、极度精确的，充斥着威权主义的秩序感，横移镜头甚至如正步一般，但摄影机从未认同被摄对象，而是毫不动摇的保持着必要的伦理距离。所以越是趋于平静安宁，其背后越是残忍可怖，本片就是在呈现一场不见血的暴行。一次对视，一次穿越，那一刻观众的目光是如此重要。
【B】概念自然是极好的，但拍到这个程度就没意思了。真·MV电影，声音设计几乎是全部主体，场面调度上鲜有巧思，甚至出现了4次放空画面只听声音的段落。为了这点醋包的这盘饺子，专门给声音才配的画面段落，从立项开始就是纯MV创作思路吧。
冷酷强大精准的执行，知行合一。金棕榈我颁了。
格雷泽规避掉所有直观呈现奥斯维辛血腥屠戮的场面，借而以纳粹军官鲁道夫一家紧靠集中营的“世外桃源”为惊恐反证，动用冷涩的视听语言进行恫吓氛围的塑造。麦卡·利维的配乐为影片增添了凄厉的脚注。
原小说The Zone of Interest作者Martin Amis在首映当天去世
假如最后那段穿越的视角没有拉回楼梯口望向走廊尽头的纳粹军官，整个影片会平庸一个档次。
我觉得是今年几部奖项热门片中最值得的一部，完全是把电影当做艺术形式来拍。热成像效果居然这么好，估计后期也有处理。
#RFH #LFF 长评-满眼罪恶和那唯一的光。风格和表达统一性很高，用极致冷漠的视角侧面讲述了那段悲惨的历史。采用极简主义，只有固定镜头和侧跟推镜头，更夸张的是景别的选择…全片基本没有对人物的中近景镜头，正反打都是全景或者远景…只有一场中景的镜头是女主母亲在屋内看到远方的大火与浓烟，这可能也是全片中唯一突出角色情绪的表达，感觉导演就不想让我们把情感代入到这些纳粹身上，即使他们在幸福，家庭在和睦，我们就这么凝视着审判着。大远景分割世界，鱼眼镜头畸变批判，俯拍带有黑圈如同上帝审判般。仅有特写对准有生命力的植物和土地，用冰冷的负片镜头讲最有温度的故事。色彩上则是低饱和度呈现冷漠。夜晚的红色预示着血与火。极强节奏的轰鸣声频繁出现仿佛末日的倒计时。鸟语花香+枪鸣哀嚎似乎就与大远景呈现出同样的效果。
神奇的電影。Zone——區域，需要時間、空間定義，需要光、聲音為屏來投射，需要能夠在現實與鬼魅間張開。一個床是一個zone，人的身體是一個可以被嘔出的Zone，人類暴力史的那團噩夢陰影是Zone，在時空中延綿的中介質也是（或許這就是所謂cinema在尋找的東西）非常「建築」的一部電影，他在歷史等抽象的概念中創造空間，而人在空間里顯得極其「異常」，冷峻切換的固定機位剪切間構成有別於幽靈視角的無機/金屬視角（非常俐落的切換也體現出鏡頭對「區域」的遵從）拍法和概念厲害極了，劇本差口氣，穿越出戲。
若平庸之恶的着重点是缺乏深入思考的能力，那平庸的恶似乎根本不存在。就是恶，大恶！如片中所现，这些nazi并不是没有任何深入思考能力仅执行命令的木头人，日子像流水一般过去。枪声、烟味、没日没夜的叫喊声、血色弥漫、吃人的骨灰种出的菜、这些都是生活的一部分，如何抽离一切单纯诉说人脑是不在工作的，这只是思考不了的恶的平庸？影像的力量之一就是让人感受，再让人思考，这部片让我开始拒绝阿伦特的阐述。片中的母亲的离开不知是否有任何历史纪录，如果是，算是nazi一丁点良心的闪现，但估计多半是杜撰。整部片很压抑，最后的穿越并没那么突兀，见一眼现实很好。
还可以，但我对乔纳森格雷泽的期待要比现在的效果多得多得多。何时见过艳阳下的奥斯维辛，女人走在她的领地——花园中，她的丈夫则行走在自己的领地——集中营中。这巨大的荒诞感即是深不见底的悲剧性。没有阿伦雷乃的《夜与雾》那般直面尸骸的冲击性的残忍，它被重新翻译为一种由巨大、突兀、诡异的音效与底片影像组成的残酷的语言。“不在看”却处处都在见证。要怎样才能证明这般残忍的历史曾经存在过？博物馆里堆积成山的鞋子、衣服、家具，都是不在场的在场。我一次又一次想到克里斯提安·波坦斯基的装置艺术
3.5
楼上都要给他颁奖了，我就是真的很难评
非常聪明的设定 但这种剪影式的拍法更像是一个装置艺术 三十分钟过去记不住一个面孔 集中营作为潜文本与用意明显的音效贯穿全片 却不能使我相信（更别说在意）画面里任何一个人的处境——如果他们确实有困境 作者似乎生怕态度还不够冷峻 弃绝任何接近人性的机会 以维持与主题相当的风格 然而没有拍出人性不等同于就拍出了非人性 故事上没有深刻的进展 风格迅速失去魅力 只剩奋力端着 不断地重复同一个idea 孩子们在院子里不停玩耍并不是孩子想玩 只是因为这个电影需要孩子的玩耍充当烟囱的前景 然而电影不是照相术 精巧的瞬间确实能够唤醒观众耳目 却无法触及内心 如此有力的premise却沦为投机取巧的摆设 我想历史之所以深沉是因为不向未来献媚 可惜当代仍在孜孜不倦地借历史的便利追逐着空洞的奇观 这样的创作太偷懒了