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剧情介绍
长篇影评
1 ) 被遗忘半世纪的音乐节，1969的撕裂与自由
一场值得被载入纽约城市史、非裔平权运动史与流行乐文化史的音乐节，为何在随后的半个世纪里，录像带都没人愿意发行？那些影像与能量就这样在地下室沉寂着，直到纪录片《夏日之魂》/Summer of Soul在今年7月上映。
1969年夏，就在与伍德斯托克音乐节不到100英里的纽约黑人区哈莱姆（harlem），另外一场音乐节同时进行着，舞台上是B.B King, Stevie Wonder, Nina Simone这些已在无数电影、小说、排行榜与记忆中得到“永生“的传奇。
看着这些已不朽的艺术家活蹦乱跳地出现在当年夏日余晖中的舞台上，不再是黑白的影像，深色的皮肤将绚丽的衣衫驾驭得游刃有余，闪亮的耳环跟着节奏摇晃，我感觉好像看到了一个黄金时代。
纪录片中，一位纽约时报前记者受访时表示，作为当时种族隔离制度被废除后最早进入大学的非裔女性之一，她是班级里唯一住在宿舍一楼的女生。其他女同学为了捉弄她，会在二楼不停敲击地板；然而她只是自己的房间静静听着Nina Simone，非常平静。
那一天，Nina Simone登台后首先向观众鞠了一躬，伴随着腰肢有韵律的扭动，一顿一顿俯下身子，分明就是非洲的舞蹈——这不只是简单的一个动作，更是非裔身份的宣言。你能看到汗珠从她的面颊淌下，盘发随着手指在钢琴上用力敲击而晃动，她的眼眶不时泛红。演奏那首著名的young, gifted and black时，唱到there is world waiting for you, yours is a quest just begun（有一个世界在等着你们，你们的追寻才刚刚启程）处，这位灵魂乐女王终于哽咽了，这是我人生唯一一次听到她“走调”。何等深沉、压抑的感情，才能让这样一位女王破防。
如纪录片里一位受访者所言，她的歌声里，哀悼与希望合二为一，哀悼曾经的苦难与英雄的离世，希望为未来而坚强、战斗。“像是水泥路上长出的玫瑰”。
那是一个动荡的年代，越战还在继续，黑人平权运动如火如荼， Malcolm X、马丁路德金等精神领袖相继遇刺，哈莱姆街区作为当时美国的黑人文化中心，因随后发生的破坏性抗（议而满目疮痍。在那个音乐节的现场，我们能够发现有白人警察在远处观望。他们的战斗已经开始，前路仍不明朗。
在七月如火的夕阳中，数十万非裔市民集结在一起，跟随键盘的蜂鸣，钢琴的重音，以及贝斯的律动，拥抱属于他们的、与所有伟大音乐一样伟大的音乐，踏着黑人的舞步，陶醉地扭着屁股，没人会因为自己的肤色而感到抱歉—— “你给我二流的学校，给我二流的工资，给我二流的房子，还问我为什么唱起了布鲁斯”。
一个当年的观众回忆道，“从来没有看过我们这么多黑人同时出现在一个地方“。
因为没有灯光设备，这场音乐节的舞台必须朝西，全程借着夕阳的光辉。麦斯威尔咖啡是则是唯一的赞助商，录像带中播放的广告里反复提到来自非洲的咖啡豆。负责安保工作的，则是黑/豹/党。
这场音乐节得以举办，与一个人的支持密不可分——时任纽约市长John V.Lindsay，一位“蓝眼睛兄弟”、“坚持自由主义的共和党人”。考虑到当年“刺杀”事件发生的概率，这位白人市长还愿冒险走上舞台，当众向黑人市民致谢，他真是光一样的存在。他说，“如果没有来自纽约这个伟大街区的你们，没有你们的想法、支持与付出，就不会有这样华丽的一场音乐节”。
这位市长，以及当年台下的人群中偶尔出现的白人面庞，他们用脚投票，选择了反对歧视，拥抱文明。就像班级中一个孩子被霸凌时，那个愿意挺身而出的人是令人敬佩的，珍贵的，可爱的。
在这样的舞台，我们看到的不是偶像，奢侈的演出服，绚丽的灯光，而是一个盛大的族群聚会，对逝去的群体英雄的纪念，以及对自己身份的认同。这里有明星，更有无数普通人，也有白人，他们是爸爸，是妈妈，是收银员，是记者，是孩子。
就像sly and the family stone的everyday people里唱的:“There is a blue one who can't accept the green one/For living with a fat one, trying to be a skinny one/And different strokes for different folks/And so on and so on and scooby dooby doo-bee/We got to live together“。
在这场音乐节里，非裔族群集体的压抑以及对更好、更公平生活的共同渴望得到释放与肯定。
不管是安抚灵魂的福音，还是在棉花田中诞生的“劳作号子”（field holler）布鲁斯，抑或是灵魂乐、摇滚、爵士、放克，他们不仅是美国非裔族群的历史，更是人类的音乐遗产。今天，我们能听到的几乎所有流行歌曲，都或多或少能追溯出黑人音乐的元素。音乐的天分以及对节奏的敏感，已是他们最具辨识度的特点。
纪录片中一个受访者认为，“音乐是美国黑人唯一能自由表达自己的方式。从前的我们没有心理医生，也不喜欢颓丧地瘫在沙发上，但是我们都知道Mahalia Jackson。”
Mahalia Jackson是一位福音歌者，是她“启发“了马丁路德金写下《我有一个梦想》这个已载入史册的演讲。福音音乐可以追溯到黑人最初来到美洲大陆成为基/督徒的时刻，那些因为肤色而招致的压迫与压抑，教堂音乐“负责”治愈，成为群体记忆中沉重的一页，黑人文化中不可分割一部分。
歧视的起因可以是肤色，更可以是身材，容貌，职业，疾病，贫穷，富有，出身，受教育程度。无奈的是，这个清单可能是无尽的。“黑鬼”“胖子”“中专生”“智障”“残疾”“私生子”、“小姐”，这些被污名化的标签抹去了人生与人格，把立体的生命压缩为假想的“低等人”。
不是所有人都能参与一场这样盛大的音乐节，来释放心中压抑，表达群体需求。从这一点来说，他们也是勇敢而幸运的。
想和你一起看电视，暑假永远不会结束。
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2 ) 《灵魂之乐之夏）影评：52年后，这部电影才被看到
1969年哈莱姆文化节的镜头被改编成一部令人惊叹的纪录片，讲述了一群黑人音乐传奇明星的故事。
你还记得1969年那个标志性的时刻吗?在一个阳光明媚的日子里，十几岁的史蒂夫·汪达(steve Wonder)穿着一件褶皱的金色衬衫，在哈莱姆区对着5万人演奏了一曲雷鸣般的鼓点独奏。没有?妮娜·西蒙娜(Nina Simone)在同一场活动上，砰砰地敲着钢琴键，开始了一首冒烟的《Backlash Blues》。还没有吗?空白了?在这部辉煌的纪录片《灵魂乐之夏》中，原因变得清晰起来。这两个令人起鸡皮疙瘩的场景都出现在无数黑人音乐传奇的目录中。但这部电影有一个很有说服力的副标题:或者，当革命不能被电视转播时。
主题是哈莱姆文化节，在纽约户外举行的六个周末的娱乐活动，与100英里以北的伍德斯托克音乐节在同一个夏天发生。后者的电影于1970年上映，成为票房大片并赢得奥斯卡奖。哈莱姆区的片段由已故导演哈尔·图尔钦为一部当时筹划中的纪录片拍摄，最后被放在了他的地下室里。半个世纪以来，这部电影片段从未示人。
业界的结论是“没有兴趣”。
现在，音乐家阿米尔-卡利布·汤普森终于拯救了这些尘封的录影带。一份完整的演员名单会淹没这篇评论。和汪达和西蒙娜一起演出的还有BB King、Gladys Knight和the Pips、Hugh Masekela和Sly and the Family Stone。没有一个是令人瞠目结舌的。还有三点应该很快提出来。第一，图尔钦的原始视频中有很多原始录音带中的杂声。第二，第一次当导演的汤普森像一个天生的电影制作人一样塑造它。第三，他如何优雅地抓住了项目的核心。我们很奇怪，这部电影怎么会被遗忘这么久？
这一切都意味着文化的优先级。然后我们继续跳舞。
你需要爱灵魂才能爱《灵魂乐之夏》吗?这个问题可能需要重新定义。音乐是如此不可抗拒，你可能没有选择。亮点包括梅维斯·斯台普斯和玛哈莉亚·杰克逊的福音二重唱，斯莱·斯通用刺耳的、电子的“Everyday People”很抢镜。但如果这部电影从头到尾都是一部音乐会电影，那还只是故事的一半。作为舞台上的老手，汤普森还擅长拓宽视角。
来看看它的大时代背景：马尔科姆·艾克斯和马丁·路德·金被杀，美国在越南战争中陷入泥潭，纽约对“黑豹21”的审判。在史蒂夫·汪达演奏的那个周末，“阿波罗11号”登上了月球。哈莱姆区的流行音乐表明，忙于征服太空的美国可能也会解决当地的海洛因泛滥问题。但纯粹的快乐也会留在画面中。黑人争取权力的斗争要求知道问题得到解决的时间。对此或许有一个政治上的答案。
然而，在一系列甜蜜的现代采访中，参加电影节的人说，这也是他们成年的时候。他们告诉父母自己要去购物，然后和朋友们在哈莱姆区见面，让他们的思想得到解放，尽管这里有那么多麻烦，但这里仍是他们的家，而且也应该被视为家。
《灵魂乐之夏》既创下了历史记录，又广受欢迎。考虑到观众在电影的万花筒氛围中占据着多么重要的位置，这是再合适不过的了。电影中出现了大量的套衫、宽边帽，必要时还出现了时髦的雨衣。在音乐家图尔钦和汤普森之间，这部电影给人一种刚被打开的时间胶囊的感觉：这是它52年来未曾被看见的一个好处。
到目前为止，这是2021年的电影。
3 ) 无法共鸣 过度讴歌
从一个音乐节的消逝体现黑人种族时间线上的解放、碰壁和思考
作为影片 技术确实还可以 以不同的访谈切入不同的乐队或者书面资料的体现……但是内容引起不适：黑人表达对政府登月的不满 因为花的钱太多了 政府可以把钱交给黑人让他们脱贫 ；完全杜绝动机地对纽约市长亲近黑人这件事的讴歌；我觉得太简单粗暴了，一个音乐节的消逝是令人惋惜，但只是无绪的拼凑各个乐队，让人看得好累。
纪录片是有教育意义的，这部片子有无脑向观众灌输单方面的黑人牛逼论。为什么要去否定登月类似对太空的探索，这是人类文明的进步，而且脱贫不是给钱就可以解决的。此外市长只要参与了黑人，为了选票，你们就可以简单的觉得他值得讴歌？还有肯尼迪被杀害，无脑灌输要革命，因为革命混乱可以获得自由？灌输宗教音乐，人们要相信神的存在……
奥斯卡体现了政治正确，也有对种族方面的关怀，可是这个片子确实太差强人意了，难道种族平等只体现在黑人崛起吗？在美国纽约，黄人的地位比黑人还差，所谓的和平也不是单推黑人值得政府登月的钱、值得市长的特别关注、值得宣扬他们的宗教主义让所有人认可。
和平绝对不是特殊对待。
4 ) 马丁•路德•金生前最后一句话：有一种宿命论的感觉
马丁•路德•金遇刺前说的最后一句话，是对一个灵魂乐手说：“你得为我演奏我最爱的歌《亲爱的主》”。
话音刚落，枪声就响起了，他倒在了地上。
他的生命停留在了“亲爱的主”这几个字上，想想真好像是某种宿命一样。
图片 from #灵魂乐之夏#，杰西•杰克逊在1969哈莱姆文化节上回忆金博士之死，之后那名灵魂乐乐手和乐队就开始演奏《亲爱的主》。
1969年，如此神奇却又美好的一年；许多事情渐渐改变，变革与觉醒正在悄然发生。新兴的事物和太多首次为人正视的话题，倾泻着表达的灵魂歌者与创作…有很多书籍书写了浓重一笔，电影与电视剧也莫不在追忆过往美好。而这段陌生却又熟悉的影像材料，依然又是另笔宝贵的留存。Gladys Knight和Nina Simone太强了…无比震撼。
没必要硬跟woodstock扯在一起，就想象一下你去家门口的市民广场参加一场音乐派对，结果迎面而来的不是广场舞大妈，而是一帮即将成为“大师”的年轻人，一场派对能同时看到mongo santamaria和ray barretto，就已经是千金不换了。另外一对比，sly family stone在69年那个当下真的太出挑了。
太流水账了吧，而且节奏和结构问题很大，显得十分冗长。BLM和音乐节穿插叙事，但是结合得很差，导致说教意味浓厚。MTC评分那么高，而且颁奖季有横扫的趋势，结果十分失望，以为质量多么高呢。果然野播纪录片奖获奖作品都会被奥斯卡snub。
突然想到后疫情时代大型音乐活动及其可能承载的各种意义也就这样消亡了。
一场音乐会，一堂历史课。白人登上月球，黑人正在挨饿。Woodstock流芳百世，Harlem Cultural Festival冰封雪藏。黑人默哀，黑人希望。黑人第一次跟那么多黑人共同体认彼此的存在与苦难，这一刻白人需要半个世纪的勇气来直面。
素材珍贵，根据每段演出展开的文化历史解说也写得不错，但是！为什么要在人艺术家表演的时候中插解说！一段段精彩绝伦的live被解说无数次打断，沦为背景音乐，尊重人艺术家嘛！尊重人表演嘛！剪辑和制作组给老艺术家们谢罪！！！由表演延伸到1969年动荡的时局和哈林街区文化上没什么不妥，但能不暴殄天物嘛！
值得记录的音乐节都少不了时代意义，纽约哈林乃至全美的黑人、拉美人，个个上来的几乎都是传奇，能拉着唱诗班演福音还能期待些啥呢。最美妙的是观众的表情，大家都很享受其中，自由放松，和Woodstock异曲同工。不得不说Sly全盛时期不磕多的时候还是强啊，歌写得太好
音乐节本身是划时代的，纪录片反而有投机取巧之嫌
伍德斯托克的同一年，1969，这场哈莱姆的盛大音乐节被生生抹去，被故意遗忘，就像从未发生。电影可以制造回溯的奇迹，但凭空消逝的五十年如何偿还？那转折点的一年，黑人不再被蔑称Negro转而以社群呼吁的Black来指称成为共识。现场实录插叙当年亲历现场的人们笑泪回忆，Jazz, Blues, Gospel…灵魂乐的感染力跨越时空和放映依然深达心底。在动荡不安的时局连续剧震之后，这场活动的意义超越了单纯的音乐和娱乐性质，它是一份政治宣言，是平权运动的艺术映射，是从纽约的黑人社区心脏地带发出的耀眼光波：我存在，我歌唱，我们的历史无法被轻易篡改忽视。这段留存复苏的影像资料，因此不仅是还原历史真相的原生文献素材，亦同时具备着反思和呐喊的力量。
不如给我放整场...纪录片记录了个寂寞，音乐没听全，当时的事情也没讲透彻
8.4/10 Sundance2021Virtual 一种对于影像史的自觉的挖掘，虽然呈现的结果稍显流水线化，但是其文献性的意义已经足够。以音乐节为一个自成的框架，从其本体的成因介绍出发，逐渐演变成全方位的对于黑人音乐文化的展示，并且呈现双向的身份流动性（听众-歌者）。时代背景的穿插非常得体且适当，结合音乐怀念MLK的时候极其动人，呐喊和躯体行为的迸发。唯有后半段重回身份主线和持续推进音乐会进程时稍有冗长，似乎结构可以重新建构。
6.0。遺憾在於編排手法被音樂會形式綁架且過於陳舊，復線設置的觀看之觀看模式也全部淪為採訪體。但一些觀眾在明知演唱者自己說出「這不僅關於音樂」之後，還在批評「紀錄片強行關聯政治」或「我只想安安靜靜聽歌」，這邊建議直接去看演唱會錄像呢⋯⋯
黑人真团结。
#cameo#在blues live音乐性层面注定是属于影院/剧院的电影 而作为纪录片更关键的问题在于 如何在演唱会原始录影带的基础上进行开垦 如何联结历史与当下延展的时空 或许是为了保持与民权运动先辈的距离感 “导演”用剪辑取代了场面调度 在修复过的母带中插入同期政治政治影像和若干年后当时在场者的回溯性采访 高速穿插的大特写将音乐舞台上下的表演者和观看者、历史舞台的民权领袖/参与者鲜活的面孔通过蒙太奇并置 所有细微的肌肉运动无限放大 也将银幕前的我们拽入这个empowerment过程 甚至无需对其进行解码 配合音乐的力量即可生成情绪 但抛光画面残留的痕迹纹理 抹平褶皱折痕之后 不禁要问：这缺席的五十年去哪了呢？
第二次看。这当然只是一部简单的纪录片，是的，这就是一部简单的纪录片呀——如果任何人和我辩论，我都可以只用这一句话表明我的立场。这些珍贵的69年音乐节影像档案重现的不只是现场，而是延展到时代背景和环境的叙事上，别忘了，音乐艺术也是具有社会性的，我指的不是“音乐可以表达政治立场”这一表层的观点上，而是在说，音乐的旋律和其对应的符合解读在很大程度是后天生成，而不是先验的。在理解这一观念的基础上，再回过头来看这一切，oooooh——多么疯狂的、激情的世界。剪辑自带律动，唯一让我不太满意的地方是政治论据上所占篇幅还是太大，其实可以极简的。一大收获是：认知到评价一部纪录片时，若仅停步于分析内容和形式，不如把格局放大，思考一下纪录片的动机。更大的收获是：感知和情感是我们作为人类体验生命时所获的幸运之事。
cine de verano户外露天放映这片好爽，近乎还原现场的效果。吹着风听着歌，除了我们不能站起来，要不真的会和现场观众一样摇摆了，瞄了一眼前排的观众，好多人都在坐着晃。影片里没有的一曲结束后的鼓掌片段，我们加上了，整个氛围很沉浸。关于主题，虽然在提防着政治正确这四个字，但这个片子的度我觉得正合适。回归到音乐节的素材本身，现场的音乐和气氛才是最正确的不是吗？添加进去的访谈素材，一半是用来描述现场的，一半是讲述背景的，起到的只是铺垫的效果，那个压箱底的影像素材才是最闪耀的。
豆瓣真是阴阳怪气啊。就冲音乐也值五星好么。何况其他！A True Experience!
可能是美国年度最重要的纪录片之一。把一场文化节放到60年代的种族对立语境之下，去重新发掘黑人音乐乃至黑人文化中不可不提又被遗忘的要素，既是对历史的重新审视，也是对当下种族关系的重新梳理。对非灵魂乐迷来说其实有点无聊，尤其中段，但不妨碍影片本身极高的史料价值。
我们这个时代的美国黑人主旋律罢了，OST本身满分，强行加戏的纪录片本身就算了。
如此流水账的剪辑真的对不起拍摄对象。以及真的不用和伍德斯托克比，规模肉眼可见的不是一个数量级